– Le uscite discografiche più interessanti della settimana. Jack White e Smashing Pumpkins tornano a guardare indietro, riscoprendo sonorità dure e graffianti: due grandi album belli carichi di elettricità e potenza
– L’addio punk degli X. Catty, la star emergente che ancora fa la cameriera. Le sensuali melodie di Ravyn Lenae. Il cantautore Buzzy Lao contro la guerra in Palestina. Il ritorno di Marc Almond e il progetto Dead Rituals
– L’industria discografica svuota gli archivi: i Fleetwood Mac nel loro miglior periodo durante il “Mirage Tour”, ben 38 inediti di Jimi Hendrix. Brian Ferry mette in cinque dischi tutte le sue canzoni preferite
“Bless Yourself”, Jack White
Il disco è stato anticipato da un’operazione di “guerrillia marketing” nei punti vendita Third Man Records (l’etichetta discografica indipendente statunitense fondata nel 2001 dall’artista), dove i clienti lo scorso 19 luglio a sorpresa hanno ricevuto copie anonime in vinile gratuite direttamente nei loro sacchetti della spesa. L’album, disponibile nei negozi di Third Man Records da ieri, soltanto oggi si troverà in selezionati negozi di dischi indipendenti in tutto il mondo e sul digitale.
No name, in parole povere e senza mezzi termini, è un disco rock, incredibilmente entusiasmante. Sembra più White Stripes che qualsiasi cosa White abbia composto dalla scomparsa della band: le tredici canzoni sono guidate dal blues, suonano come gli scarti di Elmore James e Jimmy Page, oscillando tra riff e dolce chitarra slide. La strumentazione è ridotta al minimo indispensabile. La batteria spesso incanala il magico calpestio primordiale del gioco poetico e semplice di Meg White.
L’album è scuro, pesante, elettrizzante, bello. Bless Yourself incanala il potere del primo album degli Shellac e dei Led Zeppelin: è un attacco complesso, bollente e ironico al narcisismo moderno, White, allevato dai cattolici, ulula “Dio-on-on-command / God-demand / Se Dio è troppo occupato mi benedirò”, sputando fuoco sull’arcivescovo Harold Holmes e urlando: “Proprio come Giosuè e le fatidiche mura di Gerico, sono qui per abbattere l’istituzione!». Sembra declamatorio, un Jerry Lee Lewis rinato come rapper, sublime e ridicolo nelle giuste quantità. Rumpus è un’altra fantastica canzone pop, che si lamenta della modernità, mentre Terminal Archenemy Endling è heavy rock come mezzo per l’elevazione spirituale.
“Edin”, Smashing Pumpkins
Poco più di un anno dopo aver pubblicato il triplo album Atum, Billy Corgan e compagnia sono tornati con un altro nuovo LP intitolato Aghori Mhori Mei, in uscita oggi senza essere stato mai anticipato da singoli. «Nella scrittura di questo nuovo album sono rimasto incuriosito dall’assioma “non puoi tornare indietro”. Che ho trovato personalmente vero nella forma, ma ho pensato. “E se ci provassimo comunque?”. Non tanto nel guardare indietro con sentimentalismo, ma piuttosto come mezzo per andare avanti; per vedere se, nell’equilibrio tra successo e fallimento, i nostri modi di fare musica intorno al 1990-1996 ispirerebbero ancora qualcosa di rivelatore».
Gli Aghori sono una setta estremista indù che rifiuta le norme sociali e si abbandona a riti oscuri di cannibalismo e culto della morte. Mhori è probabilmente un’alterazione del Mahori (derivato dal termine sanscrito per bello o attraente), che si riferisce a un gruppo di archi musicali thailandesi, mentre Mei è un possessivo hindi, usato come in “la mia band” e si collega anche con il gioco familiare di Corgan di riconfigurare l’immagine della sua band con ogni progetto. Ma non c’è nulla di macabro su questo disco, nel quale gli Smashing si abbandonano in un rock stoner ricco e incisivo sin dall’iniziale grunge di Edin. Ci sono echi dei Black Sabbath, dei Pink Floyd in Pentagrams, dei Deftones in Sighommi, mentre nella strabiliante Goeth the Fall s’intersecano Manic Street Preachers e Foo Fighters: è una quasi-ballata autunnale, il suo maestoso coro, con una melodia di chitarra particolarmente malinconica, e il bellissimo ponte per pianoforte sono tra i migliori che Corgan abbia mai messo su nastro.
“Big Black X”, X
Gli X sono tornati con il loro primo album in quattro anni e, secondo gli stessi leggendari punk di Los Angeles, il loro ultimo in assoluto. Smoke & Fiction riflette sul loro viaggio dai primi giorni del punk, raccogliendo stranezze di tutto il Paese, alla loro attuale incarnazione come istituzione rock sperimentale, riavviata quando si sono riformati nel 2020 per Alphabetland. Il produttore di quel disco, Rob Schnapf, ritorna per questo disco d’addio. Exene della band ha detto nei materiali per la stampa: «Voglio creare qualcosa che sia un’espressione così perfetta di ciò che ho sentito che chiunque lo ascolterà proverà la stessa emozione».
“I Wish I Gave You Shell”, Catty
La sua stanzetta è tappezzata da immagini e poster di streghe, alla cui estetica si ispira. A prima vista, il suono scuro di Catty è tutto riff di chitarra, eyeliner nero e ritmi pop cattivi, ma c’è un atteggiamento rock crudo che guida la sua discografia.
Ha fatto da “opening act” a Stevie Nicks, ha dato il via a uno spettacolo da headliner e ha abbandonato il banger synth-pop degli anni Ottanta Healing Out Of Spite, che ha guadagnato oltre mezzo milione di stream. Il giocoso suono dei suoi testi attinge all’eredità rock dei suoi idoli, come Fleetwood Mac e AC/DC, mentre naviga tra rotture e cadute nei suoi inni catartici e a tutto gas. «Sono ancora una cameriera, quindi è un momento così strano nella mia vita, meraviglioso, ma molto strano», commenta.
“One Wish”, Ravyn Lenae
Con l’avvicinarsi dell’uscita di Bird’s Eye (9 agosto), Ravyn Lenae continua a portare alla luce sognanti singoli. L’ultimo è intitolato One Wish e presenta il “feat.” di Childish Gambino, fresco di album. «One Wish è una delle canzoni più importanti dell’album perché evidenzia il complesso rapporto che ho avuto con mio padre», ha spiegato la cantante in una dichiarazione. «I testi ricordano il mio decimo compleanno. Era importante per me affrontare queste emozioni costruite nella canzone. Qualcosa di prezioso che ho imparato è essere in grado di umanizzare davvero i miei cari e capire più profondamente il contesto intorno alle persone. Ti amo papà e sono così felice di essere qui».
One Wish arriva come quarto singolo dell’album – unendosi a Dream Girl con Ty Dolla $ign, Love Me Not e Love Is Blind – ed è accompagnata da un video musicale cinematografico. Diretto da Andre Muir, il visuale immerge gli spettatori nel viaggio di Lenae dall’adolescenza fino ad oggi.
“Zohra”, Buzzy Lao
Serie fotografica del cantautore e chitarrista piemontese Buzzy Lao contro la guerra in Palestina: «Un filo rosso lega questa avventura alla storia recente di migliaia di vittime in Palestina da un punto di vista personale», dichiara. L’artista, infatti, è anche appassionato di fotografia e negli ultimi nove mesi ha partecipato a tutte le manifestazioni pubbliche in favore del popolo palestinese che si sono svolte a Palermo da ottobre 2023 a giugno 2024 fermando quei momenti nei suoi scatti.
Il nome Zohra, in arabo, racchiude tanti significati legati all’aurora, l’alba e la bellezza, ma che nella nuova canzone del cantautore torinese diventa il nome di una giovane donna musicista in fuga dal suo paese d’origine colpevole di produrre bellezza. La canzone è infatti ispirata da una particolare storia di diaspora contemporanea, si chiama proprio Zohra la prima orchestra femminile afghana, formata da giovani donne musiciste tra i 13 e i 20 anni che hanno dovuto espatriare in seguito alla salita al potere del regime talebano. Partendo da questa storia Buzzy Lao si è immedesimato nel viaggio che una di queste giovani donne ha dovuto affrontare per sfuggire alla persecuzione in nome della libertà e ha riprodotto le sue emozioni in musica e foto. Il brano, infatti, è un concentrato di diverse influenze musicali del cantautore torinese che combina le ritmiche roots reggae con le sonorità del blues tradizionale africano.
“Where You Belong”, Dead Rituals
Il progetto Dead Rituals, fondato dal partenopeo Andrea Caccese, rappresenta un diario musicale fatto di avventure e influenze che spaziano dal punk allo shoegaze. Il nuovo brano, Where You Belong vede la partecipazione del sassofonista/compositore Pietro Santangelo, figura di spicco della scena musicale napoletana.
Con un percorso che va dal jazz-rock sperimentale degli Slivovitz a recenti esperienze con Nu Genea e PS5, Santangelo si distingue per la sua costante ricerca oltre i confini dei generi tradizionali, abbracciando l’innovazione creativa senza perdere il legame con le proprie radici. Where You Belong propone un post-punk aggressivo ma al tempo stesso etereo, con incursioni che richiamano l’hardcore e l’avant-rock. Il sax di Santangelo si intreccia perfettamente con la trama sonora del brano, aggiungendo profondità e complessità al sound complessivo.
“I’m Not Anyone”, Marc Almond
«Una grande canzone non può mai morire e dovrebbe sempre trovare una nuova vita e un nuovo pubblico», dice Marc Almond, performer e cantante che ha spesso usato cover per esprimere le storie della sua vita. Dalla versione del 1981 con i Soft Cell di Tainted Love di Gloria Jones ai successi in versione solista negli anni Ottanta e Novanta (tra cui Something’s Gotten Hold of My Heart, Jacky e The Days of Pearly Spencer), album completi dedicati a artisti specifici, poeti, cicli di canzoni storiche, chanson francese e melodie folk/zingare russe, Almond non ha mai avuto problemi a usare ciò che c’è là fuori per soddisfare la sua prolifica voglia creativa di viaggiare.
Ora all’età di 67 anni, residente come molti pensionati italiani in Portogallo, Almond, per il suo album da solista numero 27, ha selezionato 11 canzoni per la loro risonanza emotiva. Sono, ha detto, canzoni riflessive e «gemme mezze dimenticate» per un «artista più anziano», quindi in tutto l’album non c’è solo un’indicazione del suo eclettismo, ma anche un tono cupo e interiore. E ha ragione su alcune canzoni che sono viste come nicchia o culto: pochi conoscono la band proto-metal statunitense Blue Cheer (I’m the Light) o il cantante britannico Colin Blunstone (Smokey Day). Un po’ più noti i prog-rocker britannici King Crimson (I Talk to the Wind), i cantautori statunitensi Don McLean (Chain Lightning) e Neil Diamond (Lonely Looking Sky), la title track di Paul Anka. Ogni versione si attiene fedelmente all’originale.
“Don’t Stop”, Fleetwood Mac
Le registrazioni dal vivo dei due spettacoli esauriti dei Fleetwood Mac al Forum nel 1982 durante il Mirage Tour saranno presenti in una nuova raccolta di Rhino in uscita il 20 settembre. La raccolta live di 22 tracce contiene sei registrazioni inedite dello spettacolo del 21 ottobre 1982, inclusi brani preferiti come Landslide, Don’t Stop e Never Going Back Again. Le altre canzoni sono state registrate durante lo spettacolo del 22 ottobre e sono apparse in varie pubblicazioni nel corso degli anni, tra cui Live Super Deluxe Edition(2021), Mirage Super Deluxe Edition (2016) e il video del concerto del 1983 Mirage Live.
Nel settembre 1982, i Fleetwood Mac intrapresero un tour negli Stati Uniti in 31 città a sostegno dell’album Mirage, il quarto album multiplatino consecutivo della band e il terzo “numero 1” in America. Entrambi gli spettacoli al Forum sono stati registrati e il Mirage Tour ’82 combina i brani di entrambi in un’unica esperienza di concerto. Mick Fleetwood, John McVie, Christine McVie, Lindsey Buckingham e Stevie Nicks erano all’apice del loro potere collettivo in questi spettacoli, offrendo una scaletta ipercarica piena di successi vecchi e nuovi. I pezzi migliori includono Songbird, Oh Well, Love In Store, Go Your Own Way e una versione di Landside.
“She Belong to Me”, Brian Ferry
Bryan Ferry sta guardando indietro alla sua carriera da solista con 81 canzoni Retrospective: Selected Recordings 1973-2023. L’enorme nuova collezione include i brani preferiti di tutto il catalogo del frontman dei Roxy Music, rarità, una nuova traccia intitolata Star e altro ancora. L’album di cinque dischi si apre con il primo singolo solista di Ferry, una cover di A Hard Rain’s a-Gonna Fall di Bob Dylan, e include anche una nuova cover della canzone di Dylan del 1965 She Belongs to Me.
Retrospettiva: Selected Recordings 1973-2023 uscirà il 25 ottobre per BMG. Sarà disponibile digitalmente e come una collezione di cinque dischi che viene fornita con un libro con copertina rigida di 100 pagine di note di copertina, fotografie e immagini. Un’edizione condensata, The Best of Bryan Ferry, sarà pubblicata anche in formato double-vinyl e single-CD. Brian Ferry ha pubblicato il suo ultimo album in studio, Bitter-Sweet, nel novembre 2018.
“Angel [Take 7]”, Jimi Hendrix
Il 13 settembre sarà pubblicato Electric Lady Studios: a Jimi Hendrix vision, un cofanetto deluxe con 39 tracce (38 delle quali inedite) registrate dalla Jimi Hendrix Experience (con Billy Cox al basso, Mitch Mitchell alla batteria) agli Electric Lady Studios tra giugno e agosto del 1970, poco prima della morte prematura di Jimi Hendrix il mese successivo.
Il cofanetto include anche un Blu-ray con 20 nuovi mix in surround sound 5.1 dell’intero album First Rays Of The New Rising Sun più 3 tracce bonus (Valleys Of Neptune, Pali Gape Lover Man). Il Blu-ray contiene il documentario acclamato dalla critica Electric Lady Studios: A Jimi Hendrix Vision. Il film racconta la creazione dello studio, nato dalle ceneri di un nightclub di Manhattan per diventare una struttura di registrazione all’avanguardia, ispirata dal desiderio di Hendrix di avere uno studio permanente. Diretto da John McDermott e prodotto da Janie Hendrix, George Scott e McDermott, il film presenta interviste esclusive con Steve Winwood (che si unì a Hendrix la prima notte di registrazione nel nuovo studio), il bassista della Experience Billy Cox e i membri originali dello staff di Electric Lady che aiutarono Hendrix a realizzare il suo sogno. Il documentario include filmati e foto inedite, nonché analisi di brani classici di Hendrix come Freedom, Angel e Dolly Dagger a cura dell’ingegnere del suono Eddie Kramer.
A guidare il progetto è una versione inedita di Angel [Take 7]. Questa nuova versione mixata include le esibizioni originali registrate da Hendrix, Mitchell e Cox il 23 luglio 1970. Non include nessuno degli elementi di batteria e percussioni aggiuntive che Mitchell decise di aggiungere a questa versione principale dopo la morte di Jimi.
